Знание цветочного искусства более ранних культур и цивилизаций важно, чтобы цветочный дизайнер мог лучше понять происхождение стилей цветочной композиции, используемых сегодня. Художники-флористы различных периодов континентальной европейской истории искусства использовали огромное количество цветов и цветов для создания массивной экспозиции. Имеются данные об использовании цветов в декоративных целях в начале египетского периода (2800-28 гг. до н.э.), римского периода (28 г. до н.э. – 325 г. н.э.), византийского периода (320-600 гг. н.э.) в течение всего средневековья (476- 1400 гг н.э.), период барокко (1600-1775 гг. н.э.), а также в викторианский период (1820-1901 гг.), Как описано Берраллом (1997 г.) и Ханнеем Фрэнсисом (1948 г.).
Итальянский художник Микеланджело оказал большое влияние на художественный переход от классического стиля ренессанса к роскошному настроению периода барокко. Эти композиции часто создавались в виде симметричных овальных форм в начале периода барокко, но позднее были приняты асимметричные кривые в форме буквы «S» или полумесяца. Период истории французского искусства во время недолгого правления Людовика XVI (1774-1793) показал постоянное движение к женственности в стилях дизайна. Это было результатом руководства королевы в установлении стилей суда. Цветочные композиции эпохи Империи были более компактными, чем у более ранних французских периодов, с простыми линиями в треугольной форме и яркими цветными контрастами. Типичный дизайн в стиле ампир можно было бы расположить в тяжелой урне, содержащей множество крупных, богато окрашенных цветов (Griner, 2011).
Цветочное искусство американского федерального периода (1780-1820) основывалось на стилях неоклассического и имперского дизайна, которые развивались в Европе в то время (Hannay, 1948). Американский народ хотел покончить с традициями Англии и желал создавать свои собственные национальные художественные стили (характерные примеры стиля здесь: www.dostavka-cvetov-anapa.ru). На эти цветочные узоры больше всего повлиял деликатный французский стиль, подчеркивающий индивидуальную красоту цветов. В этих проектах высота цветов была больше, чем ширина расположения. Гладкие цветочные узоры постепенно уступили место богато украшенным и душным узорам, характерным для викторианского периода.
Восточный стиль, т.е. Икебана, возник в Индии, дорабатывается и изменяется в Китае и далее развивается как форма искусства в Японии. Он пришел в Японию с буддизмом из Индии через Китай, около 600 г. н.э. Формальное предложение цветов на буддистальтаре в сочетании с аристократическим вкусом к цветочному оформлению и слиянием в изысканную форму, которая превратилась в икебану. Это дисциплинированная форма искусства, пропитанная философией развития близости с природой. С конца периода Камакура до периода Муромати (конец 13-15 века) в день Танабата в суде проводились крупные конкурсы по цветочной композиции. История гласит, что именно на танабата-ханавасе (конкурсе цветов, проводимом на Звездном фестивале) цветы впервые стали темой ежегодного мероприятия. Фестиваль датируется временем Йошмицу Асикага (1358–1408), который любил цветы и посадил в своем саду множество цветов. Люди называли его особняк «дворцом цветов».
Искусство икебаны развивалось и процветало с появлением трех ведущих школ икебаны в Японии, школы икенобо, школы охары и школы согэцу. Самая старая рукопись «Икебана», «Kao irai no Kadensho», датируется 1486 годом. Знаменитая рукопись «Сенно Куден», основатель школы икэбано в Икэнобо, была написана в 1542 году. С того времени появилось, исчезло и развилось много стилей. как указано Комода и Пойнтер (1984). Старейшая в Японии школа Икебана, называемая икенобо, имеющая 1400-летнюю традицию в качестве своего наследия, была основана в 15 веке. Формальные учения о сложной форме Рикки давались в Икенобо. Чабана, классическая икебана, также называемая Нагари, что означает «вбрасывать», возникла в 16 веке, которая представляла естественную красоту цветов и не требовала каких-либо сложных правил в аранжировке, как у Рикки. Шока, другая форма икебаны, возникла в начале 18-го века, когда Рикка и Чабана взаимодействовали друг с другом. Школа Охара Икебана восходит к периоду Мэйдзи (1867-1912), который начался с усилий Уншина Охары, который хотя и учился в школе Икенобо, привел новые пути в икебане, сделав его менее жестким и формальным с введением морибана.
После Второй мировой войны Икебана стала восприниматься некоторыми как искусство, в результате чего появились даже произведения авангарда Икебана. Проволока, металл и камень, а также цветы использовались настолько, что иногда трудно отличить эти работы от скульптурных. Это движение вдохновило на рождение икебаны «джиюка» (свободного стиля), которая полностью освободилась от идей и правил традиционной икебаны. Влияние художественных движений начала 20-го века привело к развитию аранжировки в стиле джиюка. В 1930-е годы, а затем и в послевоенный период, интерес к икебане стал гораздо более распространенным. Во главе с Тешигахарой Софу, основателем в 1927 году школы Согецу (Гупта, 2012), дзен-эйбана или авангард икебана представила все виды новых материалов, таких как пластик, гипс и сталь. В Японии около 3000 школ икебаны, и еще тысячи процветают по всему миру. В одной только школе Икенобо около 60 000 учителей по всему миру, и в Японии ее практикуют около 15 миллионов человек, в основном молодые женщины.
У Индии есть традиция гирлянд и цветочных украшений, с незапамятных времен, как изображено в наших старых священных писаниях и рукописях, Рамаяна и Махабхарата, которые, как полагают, были составлены в 500 году до нашей эры. Красивое описание украшений, выполненных женщинами, можно найти в знаменитых древних писаниях, а именно. «Мрачхкатикам» Судраки (100 г. до н.э.) и «Абхигьян Шакунталам» Калидасы (57 г. до н.э.). Традиционные и современные стили аранжировки отражают изменения в развитии и творчестве, которым следуют в разные исторические эпохи.
Цветы по-настоящему представляют свежесть, цвет, аромат и красоту, ориентируясь на эстетическую и позитивную сторону жизни. Цветы в форме гирлянд или букетов обозначают свежесть, принятие, позитивный взгляд и недавно благословенное начало любой важной социальной функции. У цветов есть скрытое послание к веселой жизни, потому что они были неотъемлемой частью всех важных личных, религиозных или социальных церемоний и ритуалов. По мере развития цивилизации общество менялось, менялись и формы искусства, и использование цветов. От использования в качестве подношений богам и богиням, до почетного знака с лавровыми венками, до формы украшения, цветы со временем эволюционировали в то, что мы сегодня знаем как цветочный дизайн или цветочная композиция. Композиции из свежих цветов продуманы до мелочей, усиливая нежные качества цветов более красиво. Таким образом, свежие цветочные композиции с их красотой, обаянием и ароматом являются скрытым источником вдохновения для спокойного ума, мотивирующей силы, лежащей в основе творческой работы.
Использованные источники
- Aaronson Marian, 1983. The Art of Flower Arranging. Grower Books, London, UK.
- Aaronson Marian, 1984. Flowers in the Modern Manner. Grower Books, London, UK.
- Ascher, A. A. 1974. The Complete Flower Arranger. Simon and Schuster, New York, USA.
- Berrall, J.S. 1997. A History of Flower Arrangement. The Saint Austin Press, London, UK.
- Blacklock, J. 2006. The Judith Blacklock Encyclopedia of Flower Design. The Flower Press Ltd, Bournemouth, UK.
- Care, R. E. 1961. Japanese Floral Art: Symbolism, Cult and Practice. D. Van Nostrand Co., Princeton, New Jersey, USA.
- Curtis, C.D. 2004. Contemporary Floral Design. The National Association of Flower Arrangement Societies, London, UK.
- Ekman P and R. Davidson, 1994. The Nature of Emotion. Oxford University Press, N. Y., USA.
- Griner, C. 2011. The History of Floral Design. In: Floriculture: Designing & Merchandising (3rd ed.). Delmar Thomson Learning, Albany, USA.
- Gupta, V. 2012. Ikebana: The Concept. In Compendium ‘National Workshop on Floral Craft: The Art and Technique for Value Addition in Flowers’, pp. 131-132, organized at NAU, Navsari, 12-13 April, 2012.
Traditional and Loose Flowers
R. L. Misra, Sanyat Misra